Le Pop art est né en Grande-Bretagne durant les années 50 et se réfère à l’intérêt d’un certain nombre d’artistes pour les images des médias de masse, de la publicité, des bandes dessinées et des produits de consommation.
Les années 50 furent une période d’optimisme. et après de la guerre, on vit un grand boom dans la consommation de ces produits.
Le Pop art est l’un des mouvements artistiques principaux du 20e siècle. Le concept du Pop art est représenté par les artistes dans l’attitude donnée à l’oeuvre plutôt que par l’oeuvre d’art elle-même.
Le Pop art a contesté les traditions en affirmant que l’utilisation d’éléments visuels de la culture populaire produits en série est contiguë avec la perspective des beaux-arts depuis que le Pop art enlève le matériel de son contexte et isole l’objet, ou le combine avec d’autres objets, pour la contemplation. Le concept du Pop art se présente plus dans l’attitude donnée à l’oeuvre que par l’oeuvre elle-même.
Le Pop art est caractérisé par des thèmes et des techniques tirés de la culture de masse populaire, tels que la publicité, les bandes dessinées et les objets culturels mondains. Le Pop art est largement interprété comme une réaction aux idées dominantes de l’expressionnisme abstrait.
Le Pop art, comme la musique pop, vise à utiliser des images populaires par opposition à la culture élitiste dans l’art.
Soulignant ainsi ironiquement les éléments banaux ou « kitsch » de n’importe quelle culture donnée. Le mouvement a été défini aussi par l’utilisation de moyens mécaniques et de techniques de reproduction par les artistes.
La plupart des œuvres du Pop art sont considérées incongrues, car les pratiques de conception qui sont employées rendent difficile pour certains leur compréhension. Le Pop art et le minimalisme sont considérés comme les derniers mouvements artistiques modernes et, ainsi, les précurseurs de l’art post-moderne, voire même des exemples, tôt, de l’art post-moderne.
Le Pop art tire ses origines principalement de Grande-Bretagne, mais est grandement influencé par la culture américaine de ce temps. Plusieurs artistes influents du Pop art proviennent d’Amérique.
Les origines du Pop art en Amérique et en Grande-Bretagne se sont développées légèrement différemment. En Amérique, le Pop art a marqué un retour à la composition plus « hard-edged » et à l’art représentatif par les artistes employant la réalité mondaine, l’ironie et l’impersonnel pour répandre le symbolisme personnel et le relâchement de l’expressionnisme abstrait.
En revanche, l’origine du mouvement en Grande-Bretagne d’après-guerre était plus académique, avec un focus sur la figuration dynamique et paradoxale de la culture populaire américaine. Ils utilisaient l’ironie et la parodie pour illustrer ce dispositif symbolisant la puissance et la manipulation qui affectaient le style de vie d’une société, tout en améliorant la prospérité de celle-ci.
Le début du Pop art en Grande-Bretagne était une question d’idées, alimentées par la culture populaire américaine vue de loin, alors que les artistes de l’Amérique étaient inspirés par les expériences de la vie, directement dans cette culture.
Cependant, le Pop art était également la suite de certains aspects de l’expressionnisme abstrait, tel qu’une croyance dans les possibilités de l’art, particulièrement pour le dessin à grande échelle. Par le fait même, le Pop art était une prolongation et un reniement du dadaïsme. Tandis que le Pop art et le dadaïsme exploraient certains sujets pareils, le Pop art a remplacé les impulsions destructives, satiriques et anarchiques du mouvement Dada par l’affirmation détaché des objets façonnés de la culture de masse.
Une partie des artistes les plus influents incluait Pablo Picasso, Marcel Duchamp, Kurt Schwitters, et Man Ray, notamment.
Le Pop art fut influencé par les images vues dans les oeuvres d’art de l’artiste Eduardo Paolozzi, durant une exposition, en 1953, à l’Institut des Arts Contemporains. Il fut aussi influencé par des artistes américains tels que Jasper Johns et Robert Rauschenberg et des artistes britanniques tels que Richard Hamilton et le Groupe indépendant qui visait un style d’art moins académique.
Hamilton a aidé à organiser l’exposition « Man, Machine and Motion », de 1955, et « This is Tomorrow » avec son oeuvre historique « Just What is it that makes today’s home so different, so appealing? »
Le mouvement artistique s’est établi par vagues, mais l’ensemble de ses adhérents dont Joe Trilson, Richard Smith, Peter Phillips, David Hockney et RB Kitaj ont partagé un intérêt commun pour l’expérience de consommation des temps modernes.
Le Pop Art a donc coïncidé avec le phénomène de la musique pop des années 50 et 60 en plus de prendre place dans l’image de la mode à Londres. L’artiste Pop art Peter Blake a par exemple conçu des couvertures d’album pour Elvis Presley et les Beatles. Il a aussi utilisé des images de stars du cinéma telles que Brigitte Bardot, de la même manière que Andy Warhol a immortalisé Marilyn Monroe.
Bien que le pop art fut originaire de la Grande-Bretagne, ce mouvement artistique a explosé en Amérique dans les années 50.
Bien qu’originaire de la Grande-Bretagne, le pop art a véritablement explosé aux États-Unis. Ce mouvement, en rupture avec l’abstraction, dénonce la société de consommation. Retour sur un courant iconoclaste.
Tandis que les Britanniques voyaient la culture populaire américaine d’une perspective légèrement détachée, leur point de vue était souvent traduit avec des traits romantiques, sentimentaux et pleins d’humour. En revanche, les artistes américains étant bombardés quotidiennement par une multitude d’objets de production de masse, ils travaillaient généralement avec plus d’agressivité.
Deux des peintres les plus importants du Pop art américain étaient Jasper Johns et, en particulier, Robert Rauschenberg. Tandis que les peintures de Rauschenberg ont des rapports évidents avec les premiers travaux de Kurt Schwitters et d’autres artistes dadaïstes, son souci était avec la société actuelle. Son approche pour unifier des matériaux éphémères et des événements typiques de la vie en Amérique a donné à son travail une qualité unique.
Commençant vers la fin des années 50, le Pop art en Amérique a donné sa plus grande impulsion pendant les années 60, principalement à New York. Les Américains vivaient à cette époque dans une opulence d’objets de consommation produits en masse. À cette heure, la publicité américaine avait adopté beaucoup d’éléments de l’art moderne et fonctionnait à un niveau très sophistiqué. En conséquence, les artistes américains ont dû chercher plus profondément pour trouver des sujets dramatiques qui distanceraient l’art des objets commerciaux bien réalisés et pensés.
Les artistes de l’époque se sont alors approprié les images de la publicité, du cinéma, de la bande dessinée et de la télévision sans avoir sous un premier abord avoir subit de transformation pour les présenter en tant qu’œuvre d’art. Les réactions ne se sont pas faites attendre. Les critiques étaient tout d’abord scandalisés de cette sublimation du quotidien que les artistes avaient réalisée, mais le public a très vite été conquis.
À noter également que, tandis que le mouvement artistique britannique Pop art précurrence le mouvement américain, il y a un certain artiste américain qui a utilisé l’icône populaire dans ses techniques. Pendant les années 20, les artistes américains Gerald Murphy, Charles Demuth et Stuart Davis ont créé des peintures, avant le Pop art, qui contenaient des images de la culture « pop » tels que les objets mondains cueillis des produits commerciaux.
Parmi les artistes les plus connus du POP ART américain on retrouve bien entendu le représentant majeur : Andy Warhol.
Il utilise, à l’aide de sérigraphies, les objets de la production de masse et les représente sous forme de séries. Il produit également plusieurs portraits des célébrités de l’époque comme Elvis Presley, Marilyn Monroe ou Jackie Kennedy et les représente comme des icônes, mais aussi comme des objets de consommation. Il est alors persuadé que tout le monde peut avoir un moment de célébrité.
Roy Lichtenstein est aussi un artiste qui illustre le pop art. Il exécute des peintures des produits de consommation en utilisant les codes de la publicité, avec une touche d’humour.
On citera également d’autres artistes comme Wesselmann, qui réalise des collages d’objets sur des toiles qui donnent ainsi un aspect trompe l’œil, ou encore Jasper Johns, Jim Dine, David Hockney, ou Robert Rauschenberg.
Né en Angleterre dans la Grande-Bretagne, le pop art a révolutionné le monde de l’art. Plusieurs artistes et groupes d’artistes étaient purement britanniques.
Le pop art est un courant artistique à part entière qui a révolutionné le monde l’art. Issu de la contraction de “Popular Art” faite par John McHale en 1954, le pop art, même s’il a littéralement explosé aux États-Unis, est pourtant né en Grande-Bretagne.
Le pop art est à l’origine d’un groupe d’artistes appelé « Independant Group », en 1952. Le groupe nommé « The Independent Group » (IG), fondé à Londres en 1952, est considéré comme le précurseur au mouvement Pop art. Ils étaient un regroupement de jeunes peintres, sculpteurs, architectes, auteurs et critiques qui contestaient les approches modernistes actuelles de la culture aussi bien que les points de vue traditionnels des beaux-arts.
Le groupe est composé des artistes peintres anglais Richard Hamilton et Eduardo Paolozzi, du couple d’architectes Alison et Peter Smithson et du critique d’art Lawrence Halloway.
Le groupe se réunit et discute de leur vision de l’art, qui est dominée par l’abstraction, de leur regard sur la technologie et la société de consommation et du monde de la publicité. Les domaines auxquels ils s’intéressent sont le design, le cinéma, la publicité, la bande dessinée et la science fiction. Ils brisent les codes de l’art de l’époque.
Lors de la première réunion de groupe indépendant en 1952, l’artiste et sculpteur Eduardo Paolozzi a présenté une conférence utilisant une série de collages intitulés « Bunk » (couchette !), qu’il avait assemblé durant son passage à Paris entre 1947-1949.
Ce matériel était composé d’objets tels que des publicités, des personnages de bande dessinée, des couvertures de magazines et divers éléments graphiques de produits de série qui, la plupart du temps, représentaient la culture populaire américaine. Une des images dans cette présentation était le collage de Paolozzi « I was a Rich Man’s Plaything » (j’étais un jouet d’homme riche), qui inclut la première utilisation du mot « Pop », celle-ci apparaissant dans un nuage de fumée émergeant d’un revolver.
Après la présentation séminale de Paolozzi en 1952, le groupe s’est concentré principalement sur le langage figuré de la culture populaire américaine, plus particulièrement sur la publicité de masse.
C’est lors de l’exposition This is Tomorrow, à la Whitechapel Gallery de Londres, où Richard Hamilton présente son collage intitulé Just what is it that makes today’s homes so different, so appealing ?, en référence à une publicité et représentant un homme bodybuildé au milieu d’un salon moderne, que le pop art prend son essor.
Ce collage est considéré comme le manifeste du pop art. Le pop art est un mouvement proche de la société qui démocratise l’art auparavant réservé aux élites et qui allie l’humour et la dérision de la consommation de masse tout en dénonçant cette explosion de consommation à outrance de la société d’après-guerre.
L’invention du terme complet « Pop art » a été faite par John McHale pour la présentation suivante, en 1954. Le terme spécifique Pop art est apparu pour la première fois dans un article écrit par les membres Alison et Peter Smithson dans Arc, en 1956.
Cependant, le terme est souvent crédité au critique d’art/conservateur britannique Lawrence Alloway, dans un essai de 1958 intitulé Les arts et les médias. Bien que le terme qu’il emploie soit « culture de masse », Alloway était l’un des principaux critiques à défendre la culture de masse et le Pop art comme forme d’art légitime.
La particularité de ce courant est de présenter en tant qu’œuvres d’art des objets et des illustrations ordinaires de la vie quotidienne, appréciés par les masses, afin de les regarder sous un autre angle.
Les principales techniques du pop art sont la sérigraphie et le collage.
Les principaux acteurs du pop art britannique sont Richard Hamilton et Eduardo Paolozzi. Ils ont une vue particulièrement affutée de la société de consommation. Leurs productions se veulent éphémères, bon marché, fascinantes et astucieuses tout en étant proches de la culture populaire, permettant ainsi aux amateurs d’en identifier facilement les codes et d’en apprécier l’esthétisme.
Paolozzi est le premier à effectuer des photomontages, mais ce sera Richard Hamilton qui inclura pour la première fois le mot « pop » dans son œuvre. Il continuera son travail en y incluant des images de pin-ups et des images de voitures comme sujet d’étude, introduisant le fétichisme, élément majeur du pop art.
D’autres artistes viendront ensuite alimenter le courant britannique comme David Hockney ou Peter Blake.
Au-delà d’un simple mouvement en France, les caractéristiques du nouveau réalisme se trouvent toutes dans la définition du pop art.
Si le pop art naît d’abord en Angleterre dans les années cinquante par le travail de Richard Hamilton et d’Eduardo Paolozzi pour ensuite exploser aux États-Unis, la France n’est pas restée en arrière non plus.
Le nouveau réalisme est apparenté au pop art et, comme lui, s’inspire de la réalité quotidienne et du monde de la publicité en réalisant des assemblages et des collages pour prendre l’abstraction à contre-pied.
Si les deux mouvements peuvent être associés, le nouveau réalisme n’est cependant pas une adaptation française du mouvement anglophone. Les deux courants apparaissent à la même époque, dans les années soixante.
Le nouveau réalisme est un groupe d’artistes rassemblés sous l’idée d’Yves Klein, artiste peintre, et de Pierre Restany, critique d’art.
L’appellation « Nouveau réalisme » naît sous la plume de Restany pour qualifier une exposition à Milan regroupant des artistes comme Arman, Tinguely ou Yves Klein. Pierre Restany publiera le manifeste du nouveau réalisme le 16 octobre de la même année de l’exposition. Ce manifeste est signé par les artistes présents lors de l’exposition de Milan.
L’année suivante est publié un second manifeste intitulé « 40° au-dessus de Dada » et d’autres artistes rejoindront le mouvement comme Christo ou César, par exemple. Néanmoins, Klein se retirera du groupe en refusant l’influence dadaïste revendiquée par Restany.
Le groupe sera véritablement actif de 1960 à 1963, mais ne sera dissoudra qu’en 1970.
Le groupe utilise des objets de consommation de la vie quotidienne et les utilise comme matériel pour en faire des symboles, pour les voir sous un autre jour. Les matériaux utilisés sont des composants beaucoup moins raffinés que lors des courants antérieurs. Ils utilisent du béton, de la tôle, du ciment et d’autres matériaux industriels.
Le groupe veut appréhender le réel de manière nouvelle.
Le travail du groupe sera souvent réalisé de manière collective, mais avec des techniques différentes. Accumulation, compression, lacérations d’affiches, assemblage d’objets courants ou encore sculptures autodestructives ; les techniques d’approche du nouveau réalisme sont variées.
Parmi les nombreux artistes qui font partie du nouveau réalisme, on trouve notamment Arman qui accumule des objets ou encore ses Colères qui sont des manifestations de destructions de matériel souvent réalisées en public dont il assemblera les restes dans un tableau.
Parmi les plus connus, et bien qu’il se détache du groupe très tôt, Yves Klein est un des fondateurs du nouveau réalisme. Son œuvre la plus connue est le Monochrome bleu qu’il transforme en objet de culte et dépose même un brevet de sa couleur bleue sous le nom d’IKB.
Jean Tinguely, lui, crée des sculptures en assemblant des objets du quotidien comme des jouets et des objets en plastique possédant une pédale de commande qui, lorsqu’elle est déclenchée, agite en tout sens la sculpture. Un véritable pied-de-nez aux sculptures classiques.
Ailleurs dans le monde, le Pop art aura également une influence considérable sur plusieurs mouvements artistiques.
En France, le Pop art inspire le mouvement, beaucoup plus politisé, du Nouveau Réalisme, qui rassemble des artistes tels que Yves Klein, Arman, Gérard Deschamps, Raymond Hains.
Au Japon, le Superflat, d’inspiration surréaliste, postmoderne et Pop art, a toujours actuellement un grand impact sur la culture, en particulier sur la jeunesse. Les artistes du groupe Kaikai Kiki, inventeurs du Superflat, sont reconnus principalement pour leur production massive.
Découvrez les événements importants du Pop art à l’aide de notre frise chronologique.
Eduardo Paolozzi inclut le mot Pop dans une œuvre.
L’artiste écossais, illustrateur et co-fondateur du Groupe Indépendant Eduardo Paolozzi est le premier à développer un nouveau style artistique dans I Was a Rich Man’s Plaything (« J’étais le jouet d’un homme riche »), tableau composé d’images découpées d’une pin-up, du logo Coca-Cola, d’une tarte aux cerises et du mot Pop. Ce travail est souvent désigné comme le précurseur du mouvement Pop Art.
Paolozzi présente Bunk ! à Peter Blake et Richard Hamilton
Paolozzi présente une conférence au GI à l’Institut d’Art Contemporaine (IAC) de Londres, avec une série de collages intitulés Bunk ! Cette œuvre est composée d’objets trouvés comme les publicités, des personnages de comics, des couvertures de magazines et autres images diverses produites en nombre qui témoignent de la culture populaire américaine. Le groupe est constitué de Peter Blake, Richard Hamilton, William Turnbull et le critique d’art Lawrence Alloway.
Les critiques et les artistes commencent à utiliser le mot Pop
John McHale, également cofondateur du GI et du IAC, aurait inventé la phrase Pop Art, bien que plusieurs pensent qu’il s’agirait en fait d’une invention du critique d’art Lawrence Alloway. Les artistes du GI et les critiques utilisent le mot Pop au milieu des années 50 pour décrire le mélange de la culture populaire de masse avec les beaux-arts dans l’idée de produire une nouvelle esthétique en réponse à la commercialisation de la culture occidentale.
Peter Blake crée On The Balcony (« au balcon »)
Le tableau, qui à première vue ressemble à un collage, représente des personnages tenant des chefs d’œuvres connus. On The Balcony devient une œuvre emblématique du canon Pop Art, à présent exposée au Tate Britain.
Le collage Pop emblématique de Richard Hamilton est exposé.
Le collage d’Hamilton What is that Makes Today’s Home So Different and So Appealing ? (« Qu’est-ce qui fait qu’aujourd’hui la maison semble tellement différente et attirante ? ») est présenté à la galerie d’art Whitechapel à Londres. L’esthétique Pop Art est née.
La galerie Whitechapel à Londres tient l’exposition : This is tomorrow
Une exposition qui s’inspire de la culture populaire (ex : Marilyn Monroe et publicité de film)
Hamilton définit le Pop.
« Populaire (conçue pour le grand public) ; éphémère (solution à court terme) ; consommable (aisément oublié) ; bon marché ; produit en masse ; jeune (à destination de la jeunesse) ; insolent ; sexy ; fantaisiste ; séduisant ; et qui rapporte gros. »
Ouverture de la galerie de Leo Castelli à New York
La galerie de Castelli fait la promotion d’oeuvres Pop Art
Lawrence Alloway consacre le Pop Art
« Le terme, d’origine anglaise selon moi, est une description des communications de masse, particulièrement, mais pas uniquement, celles qui sont visuelles. » Le critique d’art Lawrence Alloway publie l’essai Arts et Médias de Masse, qui utilise la phrase « art populaire de masse ».
La Galerie de Leo Castelli à New York tient une exposition Pop Art
Une exposition des œuvres de Robert Rauschenberg et Jasper Johns
Le Pop Art arrive aux États-Unis.
Les artistes américains néo-dada et amants Jasper Johns et Robert Rauschenberg lancent le Pop Art américain, en utilisant l’imagerie de masse, l’iconographie, les objets trouvés et en employant des techniques telles que la gravure, la sérigraphie et le collage.
Premières peintures par l’artiste Andy Warhol
Des œuvres qui s’inspirent de bandes dessinées, telles : Dick Tracy et Superman
Roy Lichtenstein crée ses premières œuvres Pop Art.
« Le Pop Art est l’utilisation de l’art commercial en tant que sujet en peinture. Il était difficile de trouver un tableau suffisamment ignoble pour que personne ne veuille le suspendre au mur – tout le monde suspendait n’importe quoi. La seule chose que tout le monde détestait, c’était l’art publicitaire ; et apparemment, il n’était pas suffisamment détesté non plus. ». Roy Lichtenstein.
La galerie Daniel Cordier de Paris tient une exposition de l’artiste Rauschenberg.
La BBC diffuse Pop Goes the Easel.
L’émission d’art vedette de la BBC, Monitor, diffuse Pop Goes the Easel, un documentaire magnifique sur les jeunes artistes Pop britanniques du moment, dont Sir Peter Blake et Pauline Boty.
La galerie Leo Castelli tient une exposition de Roy Lichtenstein
Les oeuvres exposées sont produites à partir de bandes dessinées
Andy Warhol fait sa première exposition solo.
La première exposition dédiée entièrement à Andy Warhol présente les maintenant très connus 32 tableaux des boîtes de soupe Campbell’s, une pour chaque saveur. Le style visuel du Pop Art est maintenant établi ; des couleurs vives, souvent primaires, une imagerie emblématique tirée des médias quotidiens et de la publicité, l’utilisation de collages, de sérigraphie, de toiles de grande taille et l’utilisation de l’ironie, de la parodie et de l’insolence. Le dictionnaire Collins décrit le Pop Art comme « un mouvement dans l’art moderne qui imite les méthodes, les styles, et les thèmes de la culture populaire et des médias de masse, comme les bandes dessinées, la publicité et la science-fiction. »
Warhol présente le Diptyque Marilyn.
La première exposition solo d’Andy Warhol à New York présente le Diptyque Marilyn, quelques mois à peine après la mort de l’actrice. L’œuvre sera au centre de l’exposition Andy Warhol au Tate Liverpool.
Un symposium sur le Pop Art se tient au Musée d’Art moderne de New York.
Le symposium introduit le terme Pop Art à la communauté de l’art. Warhol et Duchamp font partie de l’audience.
Le Guggenheim présente l’exceptionnel Pop Art Show.
Organisé par Lawrence Alloway du GI, Six Painters and the Object (« Six peintres et l’objet ») marque l’apogée du Pop Art avec des œuvres par Jim Dine, Jasper Johns, Roy Lichtenstein, Robert Rauschenberg, James Rosenquist et même Andy Warhol.
Whaam ! de Lichtenstein est exposé.
Whaam ! est exposé à la galerie de Leo Castelli dans la ville de New York. L’œuvre incarne le style de Lichtenstein, des motifs de comics, des couleurs vives et primaires, un format large, une forme stylisée et pleine d’humour. La Tate Gallery achète le tableau en 1966 pour 3940 livres sterling et il est à présent exposé de façon permanente au Tate Modern de Londres.
Andy Warhol, inaugure le studio de création Factory à New York.
Warhol crée Silver Car Crash (Double Disaster) (« Accident de voiture argentée (double désastre) »)
Cette œuvre va devenir l’œuvre la plus chère de Warhol, vendue pour…. 105 millions de dollars.
Le magazine Life met en doute le Pop Art.
Le magazine publie un article sur Lichtenstein avec pour titre « Est-il le pire artiste aux États-Unis ? » qui provoque le doute et la remise en question des artistes du Pop Art en les faisant paraître comme des imitateurs et des profiteurs.
Rauschenberg reçoit un grand prix à la Biennale de Venise, ce qui laisse prétendre une certaine prédominance de l’art américain sur l’art européen.
Warhol amplifie son rythme de création dans the Factory.
Avec l’aide de très nombreux assistants à son studio new-yorkais, The Factory, Warhol maximise sa productivité.
Warhol réalise une œuvre pour illustrer la pochette de disque du groupe Velvet Underground.
Lichtenstein abandonne le Pop Art.
Laissant derrière lui son style Pop Art emblématique, Lichtenstein travaille sur ses séries Peintures Modernes et Sculptures Modernes.
Peter Blake conçoit la jaquette de l’album Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band
Les Beatles lancent leur 8ème album Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band avec un travail graphique par Peter Blake et son épouse Jann Haworth. Cette œuvre deviendra une pièce représentative du Pop Art britannique.
La féministe radicale Valerie Solanas tire sur Andy Warhol, ce qui changera le reste de sa vie.
The Factory renforcera étroitement sa surveillance et Warhol ne s’en remettra jamais complètement, devant porter un corset chirurgical pour le restant de ses jours. La fin du Pop Art est proche.
Musée d’art Moderne de New York tient une rétrospective de l’œuvre d’Oldenburg.
Warhol réalise une oeuvre pour illustrer la pochette du disque Sticky Fingers pour les Rolling Stones.
Voici quelques termes et concepts que vous pourriez rencontrer en faisant des recherches sur le Pop Art.
Mouvement artistique réputé pour sa tendance à délaisser les notions habituelles des beaux-arts pour se concentrer sur ou parodier les médias de masse et la culture populaire. Le Pop Art peut se retrouver dans tous les arts visuels, dont la peinture, la sculpture, le dessin, le cinéma ou les installations d’art.
Un artiste dont le travail est inspiré, ou parodie ou vient en commentaire sur la culture populaire, et dont les œuvres tendent à reproduire le style et les techniques du mouvement Pop Art. Parmi quelques exemples, on peut citer Andy Warhol, Roy Lichtenstein et Richard Hamilton.
Plusieurs œuvres par Andy Warhol sont composées d’une nature morte, une simple boîte de soupe Campbell’s. La plus célèbre de ces œuvres est Campbell’s Soup I, qui représente une boîte de soupe à la tomate plus précisément.
Art sous n’importe quelle forme, sculpture, peinture, installation, etc., qui tombe dans le domaine du mouvement Pop Art. D’habitude, ce genre d’œuvres se concentre sur les expériences banales et l’imagerie populaire du quotidien, plutôt que sur le style classique beaux-arts.
Les œuvres mélangent ou parodient souvent la culture populaire ou les objets du quotidien que nous pouvons croiser dans la vie de tous les jours. Par exemple, les Campbell’s Soup Cans d’Andy Warhol représentaient des objets communs que la plupart des gens connaissaient.
Les idées, habitudes, valeurs et expériences communes d’un groupe de personnes donné, généralement la culture de la plus vaste majorité. Cela contraste avec des sous-cultures qui correspondent à des portions plus petites d’une culture populaire plus large et qui peuvent être très différentes dans les valeurs et les opinions.
Le terme « culture populaire » se réfère tout particulièrement à l’imagerie commune et au symbolisme que tout le monde comprend, comme ceux des films, livres, séries télé, publicités et journaux quotidiens. Cela s’oppose à une conception plus élitiste de la culture, telle que comprise par une minorité intellectuelle.
Type de technique artistique dans les arts visuels, qui implique de placer ensemble plusieurs pièces dépareillées pour former un ensemble plus grand. Le collage sera souvent composé de pièces de travaux antérieurs – par exemple de photos de magazines ou d’images et formes créées par d’autres artistes – pour créer une nouvelle œuvre composée de tous ces éléments préexistants.
Aussi connue sous le nom d’impression à écrans, il s’agit d’une technique artistique qui implique de faire passer de l’encre à travers un tamis très fin (un écran) vers le support final, comme un vêtement. Cela fonctionne comme une sorte de pochoir, dans le sens où une partie du maillage sera bloqué et l’encre peut couler uniquement à travers les zones ouvertes, créant ainsi une image particulière sur le support.
Cette technique fut popularisée par Andy Warhol pour son utilisation artistique. C’est devenu ensuite une technique plus courante, utilisée pour l’impression de tee-shirts et encore en usage de nos jours.
Voici une Foire Aux Questions (FAQ) sur le mouvement Pop Art.
Le Pop Art est un mouvement culturel né dans le milieu du 20e siècle en Angleterre, d’où il s’est répandu outre-mer en quelques années vers les États-Unis. Le Pop Art se concentre sur la culture populaire plutôt que les beaux-arts plus élitistes et honore les expériences paraissant banales du quotidien, en s’appropriant des commentaires sur les médias de masse, les comics et autres supports communs.
Tilted Arc, par Richard Serra, fut d’abord commandé pour être placé en face d’un bâtiment officiel, mais fut finalement enlevé après une controverse due à des raisons pratiques – la sculpture gênait la vue et le passage – aussi bien qu’esthétiques – elle était vue comme une horreur, car pour l’essentiel composée d’une pièce de métal courbée coupant le passage en deux. Elle fut retirée en 1989.
Bien qu’habituellement associé avec les artistes les plus célèbres des années 50 et 60, le mouvement Pop Art est toujours en vogue et les artistes pop sont encore présents au 21ème siècle.
Andy Warhol est probablement l’artiste pop le plus connu et son travail, comme sa fameuse représentation des boîtes de soupe Campbell’s, est immédiatement reconnaissable par la plupart des Américains de nos jours.
Comme la plupart des mouvements artistiques, le mouvement Pop Art a commencé avec quelques vagues fondateurs. Le Groupe Indépendant, un collectif d’artistes en Angleterre au début des années 1950 est souvent crédité comme l’influence fondatrice du Pop Art moderne.
Quelques-uns des artistes pop les plus connus sont Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Richard Hamilton et James Rosenquist, bien qu’il y en ait bien plus puisque le mouvement est large et dure depuis plusieurs dizaines d’années.
Andy Warhol est l’un des artistes pop les plus connus et influents. Né aux États unis d’immigrants d’Europe de l’Est, il créa plusieurs œuvres de Pop Art célèbres qui sont encore reconnues de nos jours. Il fut prolifique et donna naissance à de nombreuses peintures, sculptures, films et installations. Il est mort en 1987.
Roy Lichtenstein est un artiste pop américain dont le style fut grandement influencé par les comics populaires à son époque. Il est considéré comme l’un des artistes pop originels majeurs des années 50. Il est mort en 1997.
Richard Hamilton est un artiste pop anglais, connu pour être un fondateur majeur du mouvement. Quelques-unes de ses œuvres sont considérées comme les premiers exemples du Pop Art. Il est mort en 2011.
Le plus célèbre tableau d’Andy Warhol est probablement son interprétation d’une banale boîte de soupe à la tomate, appelée Campbell’s Soup I.
Le Groupe Indépendant était une organisation de plusieurs peintres, sculpteurs et autres artistes en Angleterre, qui furent les fondateurs des premiers développements du mouvement Pop Art.
Voici quelques unes des citations tirées des plus grands artistes du mouvement artistique du Pop art dont Roy Lichtenstein, Andy Warhol et son ami Jean Michel Basquiat.
La commercialisation de l’art est l’étape qui vient après la création. J’ai commencé comme artiste commercial, et je veux terminer comme artiste.
Je fais la même chose tous les jours. Je vais au travail et je peins. J’ai tenté de faire autant de photos que je peux.
Je peins n’importe qui, n’importe qui qui me le demande.
J’ai toujours cru que la première fois n’était pas la bonne, donc j’essaie d’en faire plusieurs.
Faire de l’argent, c’est de l’art, et le travail est de l’art. Faire de bonnes affaires est le meilleur art qui soit.
Être né, c’est comme être enlevé et puis vendu en esclavage.
La mort c’est beaucoup d’argent, chérie. Elle peut vraiment vous faire devenir une « star ».
Pourquoi est-ce que les gens pensent que les artistes sont spéciaux ? C’est un emploi comme les autres.
J’ai un malaise social. Je dois sortir tous les soirs. Si je reste à la maison une nuit, je commence à répandre des rumeurs à mon chien.
Ne portez pas toute l’attention sur ce qu’ils écrivent sur vous. Mesurez-le en pouces.
Je suppose que j’ai une interprétation très lâche du « travail » parce que je pense qu’être vivant, c’est déjà beaucoup de travail pour quelque chose que vous n’avez pas toujours besoin de faire.
Euh, gee, génial.
Je commence une image et je la termine. Je ne pense pas à l’art quand je travaille. J’essaie de penser à la vie.
Je pensais que j’allais être un clodo le reste de ma vie.
J’ai eu un peu d’argent, j’ai fait les meilleures peintures. J’ai été complètement solitaire, j’ai beaucoup travaillé, j’ai pris beaucoup de drogue. J’ai été horrible avec les gens.
Croyez-le ou pas, je peux effectivement dessiner.
Depuis que j’ai 17 ans, je pensais que je pourrais être une star.
Je suis intéressé par ce qui serait normalement considéré comme les pires aspects de l’art commercial. Je pense que c’est la tension entre ce qui semble être tellement rigide et cliché et le fait que l’art ne peut pas vraiment être de cette façon.
En Amérique, plus c’est gros, mieux c’est.
Je pense que nous sommes beaucoup plus intelligents que nous étions. Tout le monde sait que l’art abstrait peut être un art, et la plupart des gens savent qu’ils peuvent ne pas l’aimer, même si ils comprennent qu’il y a une autre fin à celui-ci.
Personnellement, je pense que dans mon travail je voulais sembler comme programmé ou impersonnel, mais je ne crois pas vraiment que je suis impersonnel quand je le fais. Et je ne pense pas que vous ne puissiez le faire.
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Andy Warhol, Marilyn Bleu 1967, ©
Andy Warhol, Autoportrait, ©
Andy Warhol, Banana, ©
Andy Warhol, Elvis 1963, ©
Andy Warhol, Campbell’s Soup, ©
Andy Warhol, Four Dollar Signs 1982, ©
Andy Warhol, Président Mao 1975, ©
Andy Warhol, Neuf Jackies 1964, ©
Andy Warhol, Jackie, ©
Roy Lichtenstein, ©
Roy Lichtenstein, Tribute, ©
Roy Lichtenstein, ©
Roy Lichtenstein, Peace through chemistry I, ©
Roy Lichtenstein, Interior with Skyline, ©
Roy Lichtenstein, Jeune fille se noyant, ©
Roy Lichtenstein, Girl with Hair Ribbon 1965, ©
Roy Lichtenstein, Shipboard girl 1965, ©
Roy Lichtenstein, Girl at window, ©
Roy Lichtenstein, Whaam! 1963, ©
Roy Lichtenstein, Spray 1962 , ©
Roy Lichtenstein, Sunrise, ©
Roy Lichtenstein, Aloha, ©
Roy Lichtenstein, Femme au chapeau 1962, ©
Roy Lichtenstein, Forget It! Forget Me! 1962, ©
Roy Lichtenstein, Girl with a Tear I Modernism, ©
Roy Lichtenstein, Natura morta con contenitore di cristallo, ©
Roy Lichtenstein, Senza titolo 1973, ©
Roy Lichtenstein, Femme dans la salle de bain , ©
