L’art baroque est caractérisé par des couleurs riches et profondes ainsi qu’une lumière intense et des ombres importantes. Il est destiné à susciter l’émotion et la passion au lieu de la rationalité calme qui avait été prisée durant la Renaissance.
Par opposition à la Renaissance qui montrait généralement le moment avant qu’un événement ait lieu, les artistes baroques choisissent le point de vue le plus spectaculaire : le moment où l’action se produit. Michel-Ange, travaillant dans la Haute Renaissance, montrait David avant qu’il ne se batte avec Goliath. Dans l’art baroque, David est montré au moment même où il lance la pierre au géant.
Les peintres baroques peignent leurs sujets en plein dans l’action, comme les scènes de jeu du Caravage.
Ce même Caravage, ainsi que Johannes Vermeer et Rembrandt, jouent énormément avec les techniques de clair-obscur. Le peintre espagnol Velásquez, qui inspirera plus tard Francisco Goya, le romantique, est également l’une des figures de proue de la peinture baroque, tout comme Nicolas Poussin, et Pierre Paul Rubens, tous héritiers de l’art de la Renaissance.
Les artistes baroques choisissent le point de vue le plus spectaculaire : le moment où l’action se produit.
Parmi les plus grands peintres de l’époque baroque, on retrouve Le Caravage, Rembrandt, Rubens, Velázquez, Poussin et Vermeer.
Le Caravage est un héritier de la peinture humaniste de la Renaissance. Son approche réaliste de la figure humaine, peinte de façon spectaculaire sur un fond sombre a choqué ses contemporains et a ouvert un nouveau chapitre dans l’histoire de la peinture.
Ainsi, la peinture baroque dramatise souvent des scènes en utilisant des effets de lumière en clair-obscur. Ceci peut d’ailleurs être remarqué dans les œuvres de Rembrandt, Vermeer, Le Nain et De la Tour.
Le peintre flamand Antoine Van Dyck a également développé un style de portrait gracieux et imposant qui a été très influent, surtout en Angleterre.
La prospérité de la Hollande du 17e siècle a conduit à une énorme production d’oeuvres d’art par un grand nombre de peintres qui étaient, pour la plupart, hautement spécialisés.
Ils peignaient des scènes de genre, des paysages, des natures mortes, des portraits ou des peintures d’histoire. Les normes techniques étaient très élevées et la peinture hollandaise à cet âge d’or a établi une nouvelle façon de peindre des sujets qui a été très influente jusqu’à l’arrivée du modernisme.
Le Concile de Trente, de 1545 à 1563, dans lequel l’Église catholique romaine répond aux nombreuses questions de réforme interne soulevées par les protestants et par ceux qui étaient restés à l’intérieur de l’Église catholique, s’est adressé aux arts figuratifs dans un passage court de ses décrets.
Cela fut ensuite interprété et expliqué par un certain nombre d’auteurs, comme Molanus, qui ont exigé que des peintures et des sculptures dans des contextes religieux représentent leurs sujets clairement et puissamment, avec le décorum, sans maniérisme.
Ce retour vers une conception populiste de la fonction de l’art ecclésiastique est considéré par de nombreux historiens de l’art comme ayant produit les innovations du Caravage et des frères Carrache. Ils ont tous travaillé en compétition pour les commissions de Rome vers 1600. Contrairement à Carrache, Caravage, qui persistait dans ses idées, a été critiqué pour le manque de religion dans son travail.
Cependant, bien que la peinture religieuse, la peinture d’histoire, les allégories et les portraits étaient encore considérés comme les sujets les plus nobles, les paysages, les natures mortes et les scènes de genre ont également été de plus en plus courants dans les pays catholiques et ont été les genres principaux des pays protestants.
En sculpture, les artistes baroques ne dérogent pas trop des règles néoclassiques.
Cependant, contrairement à leurs collègues du néoclassicisme, les sculpteurs baroques utilisent des marbres colorés et font prendre à leurs mannequins des positions extravagantes.
Dans la sculpture baroque, la représentation de groupes de personnages a pris une importance nouvelle. On y trouve un mouvement dynamique et des formes en spirales qui atteignent l’extérieur dans l’espace environnant.
La sculpture baroque peut être appréciée sous de multiples angles de vue. Elle représente une évolution par rapport à la sculpture produite durant la Renaissance et s’éloigne de la sculpture créée en rond qui était conçue pour être placée au milieu d’un grand espace, telles les fontaines élaborées par Bernin Fontana dei Quattro Fiumi à Rome.
Le style baroque est parfaitement adapté à la sculpture. Avec Gian Lorenzo Bernini, la figure dominante de l’époque avec des œuvres d’art telles que The Ecstasy of Saint Theresa (1647-1652).
La sculpture baroque présente des éléments extra-sculpturaux comme l’éclairage des fontaines ou de l’eau. La sculpture et l’architecture fusionnent pour créer une expérience qui transforme le réel pour le spectateur.
La sculpture et l’architecture fusionnent pour créer une expérience qui transforme le réel pour le spectateur.
La Réforme protestante sonne l’arrêt presque total de la sculpture religieuse dans une grande partie de l’Europe du Nord et, bien que la sculpture laïque, en particulier pour les bustes et de monuments ou de tombes, ait continué, l’âge d’or Hollandais n’a pas de composante importante sculpturale en dehors de l’orfèvrerie.
Dans les pays catholiques, la sculpture était aussi importante que dans le Moyen Âge tardif. Les statues de souverains et de la noblesse sont devenues de plus en plus populaires.
Au 18e siècle, la sculpture a continué sur les lignes baroques, la fontaine de Trêve ne fut achevée qu’en 1762. Le style rococo était mieux adapté aux petites œuvres comme les décorations en bois ou en plâtre tels que celles que l’on trouve dans les intérieurs domestiques français, autrichiens et dans les églises bavaroises de pèlerinage.
Aleijadinho, au Brésil, a été également l’un des grands noms de la sculpture baroque et son œuvre maîtresse est l’ensemble des statues de la Santuário de Bom Jesus de Matosinhos à Congonhas.
L’architecture, la sculpture et les fontaines du Bernin donnent un style baroque très chargé caractéristique.
BERNIN fut sans doute le plus grand sculpteur de l’époque baroque. Il s’approcha de Michel-Ange dans son omni compétence. Le Bernin sculpte, travaille comme l’architecte, peint, écrit des pièces et met en scène des spectacles.
Dans la fin du 20e siècle, Bernin était le plus apprécié pour sa sculpture, à la fois pour sa virtuosité avec le marbre et sa capacité à créer des figures qui allient le physique et le spirituel. Il était aussi un sculpteur de portraits en buste très demandé parmi les puissants.
Bernini est mort en 1680, mais son héritage a été absorbé par les peintres, sculpteurs, et architectes dans leur travail de la première moitié du 18e siècle, en particulier en Bavière, en France et en Autriche.
